La música electrónica tiene una rica tradición de muestreo. Una canción techno bien elaborada puede contener innumerables fuentes para construir textura: un breakbeat reelaborado, una progresión armónica transpuesta y vocales aceleradas tomadas de otra grabación. La música dance participa ingeniosamente en la apropiación. La huella de una canción se convierte en el tema dominante de otra, y así sucesivamente. Que el artista Jeffrey Gibson ama la música house no es ninguna sorpresa. El proceso de recuperación implícito en el acto generativo de muestreo y remuestreo encuentra fuertes paralelos en la práctica artística de Gibson y sus intereses en cuestiones de propiedad y autonomía.

Nacido en Colorado en 1972, Gibson tuvo una infancia nómada en el extranjero. Un niño de la tercera cultura —el término que la socióloga estadounidense Ruth Useem usa para referirse a los niños expatriados divorciados de su cultura nativa durante sus años de formación— adquirió experiencia en el aprendizaje y el desaprendizaje de las culturas que lo rodeaban. Posicionado como «el otro» a través de su educación, Gibson también es gay y miembro de las naciones choctaw y cheroqui. Mientras las identidades variadas de Gibson pueden informar las lecturas de las obras de arte que realiza, el peso de su trabajo radica en su capacidad para vencer estas asociaciones y etiquetas.

El enfoque de medios mixtos de Gibson para la creación de arte se basa en sus primeros y extensos estudios en la pintura. Ahora expandido, su práctica abarca la escultura y la instalación a escala monumental. Las obras montadas en la pared, reforzadas por soportes de material que abarcan lienzos, paneles y colchas, contienen capas de texto pintado y adornos y abalorios vívidos; los patrones recuerdan la artesanía tradicional, así como los motivos producidos en masa utilizados en papeles pintados y textiles.

Él desafía la autoría copiando textos de ficción, teoría y letras de canciones e insertándolos en nuevos contextos. Frases breves y cortantes, como «TODO LO QUE PIDO ES UN POCO DE RESPETO» y «ME ENCANTA CUANDO ME INSULTES», están pintadas con tipografías gráficas apenas legibles sobre fondos geométricos densos. El uso de la abstracción y la ofuscación por parte de Gibson refleja la separación del texto de su fuente. Al enfatizar el desplazamiento del texto, Gibson articula un mecanismo violento por el cual los objetos culturales pueden ser cooptados e incluso robados por personas y sistemas en el poder. En 2020, Gibson cuestionó más explícitamente el legado del colonialismo y su impacto en las instituciones culturales a través de la exhibición de su obra de arte junto con objetos de la colección de las artes de América del Museo de Brooklyn. Al hacerlo, se dedicó a la práctica de la cita: sus obras de cerámica pintadas se sentaron frente a los tradicionales frascos policromos; sus diseños de ropa contemporáneos colgaban junto a prendas hechas por artesanos seminolas. Estableciendo comparaciones, cuestionó la validez de categorías y nombres aplicados a objetos indígenas. ¿Qué pasaría si los artefactos fueran tratados como obras de arte y viceversa?

Como un DJ que realiza un beat-match finamente cronometrado, Gibson pasa sin esfuerzo de un tempo visual a otro. Al crear espacio para aquellos que de otro modo podrían quedar relegados a la periferia, pregunta críticamente: ¿por qué tener un margen en absoluto? El arte de Gibson existe sangrado y a todo color, y mira al pasado para imaginar un futuro más inclusivo.

—Alexandra Drexelius